Nos albums incontournables d’Avril : Junip, Girls in Hawaii, Houses, The Burning Hell et BRNS

Les belles surprises qui ont retenu notre plus grande attention sont : Alessi’s Ark, The Popopopops, Telekinesis et Bored Nothing.

Mais n’oublions pas Iron & Wine, Fossil Collective, Poni Hoax, Cold War Kids, The Flaming Lips, La Femme, The Besnard Lakes, Florian Mona, Bill Ryder Jones et Simone Dinnerstein & Tift Merritt.

La pochette d’album choisie ce mois-ci est celle de Fossil Collective qui nous propose une photo pleine de poésie buccolique.

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Enfin, nos coups de Coeur immanquables découverts grâce à la toile qui grouille de petites perles !

Tout d’abord, avec sa pop classe sous influence des Beatles, Paul Winslow a composé un EP ouvragé, aérien et ensoleillé. A écouter de toute urgence pour penser que l’été est enfin arrivé ! Bandcamp

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Mais il y a aussi l’originale et Inventive Dotsy Dot qui se détache du lot grâce aux compositions pop-folk auxquelles Mickaël Mottet (leader d’Angil & The Hiddentracks) a su apporter un supplément d’âme. Bandcamp

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Junip est de retour avec un bijou éponyme. Leur deuxième opus ne fait que révéler la classe de ce trio composé de Elias Araya (batteur), Tobias Winterkom (piano et orgues) et José Gonzalez (chanteur et guitariste).

Trois ans après le sublime Fields, ce nouvel album se révèle tout simplement majestueux.

Dans cet opus nouvel, Junip laisse un peu plus de place à ses influences psychédéliques, pop tout en gardant cette empreinte folk inévitable et incomparable.

Le premier single, Line Of Fire, déjà sorti depuis quelques semaines nous promettait une belle naissance mais c’est l’effet d’un ouragan voluptueux que cet album a eu sur moi.

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Junip a choisi d’aborder des thèmes universels et introspectifs comme s’ils vous aidaient à faire un bilan, à bouleverser votre vie, appréhender les changements et projeter votre vie sous un angle nouveau grâce à l’introspection qu’ils nous soumettent.

Junip nous séduit et nous envoûte grâce aux sifflements Gonzaleziens du titre Baton, les saccades de Begginnings qui résonnent en vous comme une boucle imaginaire qui remuent vos sentiments cachés. Et ce titre Your Life Your Call aux guitares saturés imagé par un clip des plus originaux.

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Difficile de parler d’un album qui vous touche aussi profondément que celui-ci. Il m’a fallu si peu de temps pour me laisser happer par cette pop-psyché-folk-rock addictive…

Que dire ? Tamisez la lumière, installez-vous confortablement, appuyer sur lecture et laissez-vous parcourir par ces ondes positives au pouvoir salvateur !

Après son précédent opus Casino, Arman Méliès nous revient avec AM IV, un bijour pur, éclatant et audacieux ! Pourquoi audacieux ? Parce que Méliès ne se résout pas à composer et écrire de la chanson française, il en crée une. La sienne est un savant mélange de poésie délicate déposé sur un son synthé-pop sans égal aux heures actuelles de l’électro. Du synthé en 2013 ! Si ce n’est pas du mauvais goût c’est évidemment de l’audace !

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Car ce son synthétique, répétitif et languissant ne ressemble en rien à ceux de nos années 80. Aujourd’hui, Arman lui a donné une âme poétique qui ne peut que vous happer dans vos retranchements intimes et profonds. Mais attention, il ne s’est pas contenté d’une pâle copie des Daho, Jacno ou autres aficionados de ces sons des années 80, il a apprivoisé ces sons, les a trafiqués à sa manière pour créer un véritable univers contrasté aussi par le mélange de sa voix inattendue.

Cet opus s’ouvre avec L’art perdu du secret, où à 1,35 min les notes synthétiques font leur entrée et changent toute la destinée du titre, renforçant sa puissance addictive.

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Arman Méliès fait de son AM IV un album inclassable et de lui un artiste sensible et indémodable car toujours à côté sans être à l’écart. Un créateur du 21ème siècle. C’est beau et c’est rare.

Après un petit mois d’hibernation pour Popsteel nous revenons avec THE Playlist du mois de Mars. Et ce mois de Mars a été rempli de belles découvertes et de magnifiques confirmations !

Cette playlist est donc parsemée du sublime Daughter, de Soap & Skin avec son EP Sugarbread, du trip pop planant et coloré  de Youth Lagoon et du 7ème opus de Phosphorescent. Mais aussi de la BO des Revenants joliment composée par Mogwaï, du superbe AM IV d’Arman Méliès, du précieux Swimming in Speakers. Ou encore du délicat The Invisible Way de Low . Faites-vous plaisir et grignotez ces petites merveilles au gré de vos envies et pour notre plaisir. Nous y avons ajouté le petit bijou Birthdays de Keaton Henson sorti fin Février et omis dans la playlist du mois dernier… Et la Palme de la plus belle pochette se porte sur celle de Youth Lagoon, ce mois-ci, pour illustrer notre playlist.
Et en bonus, derrière la playlist : Deux résumés des concerts du mois An Pierlé et Balthazar.

Artistes présents dans la playlist :

Daughter - If You Leave
Soap & Skin – Sugarbread EP
Black Rebel Motorcycle Club – Specter At The Feast
Suuns - Images du Futur
Low - The invisible Way
Phosphorescent - Muchacho
Keaton Henson – Birthdays
Youth Lagoon – Wondrous Bughouse
Arman Méliès – IV
Shout Out Louds – Optica
Lotte Kestner – The Bluebird of Happiness
Mogwaï – BO des Revenants
Josh Ritter – The Beast in its tracks
Cloud Cult – Love
Waxahatchee – Cerulean Salt
Brighter Later – The Wolves
Devendra Banhart – Mala
Swimming in Speakers – Guessing The Others
Exsonvaldes – Lights

Les Live Reports

Le premier concert du mois a été An Pierlé, toujours aussi sublime devant son piano, surélevée par son ballon transparent lui servant d’assise pour nous envoûter et nous embarquer dans son univers composé de fragilité, d’imagination et de pureté. An Pierlé, une perle scénique dont le sourire vous est communicatif et enchanteur !

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Et puis il y a eu la rencontre avec Balthazar ! Un talent immense pour ce groupe dont la présence scénique est incontournable. Une puissance et une précision musicale implacables. Leurs sons sont travaillés, précis et leur énergie extrêmement communicative ! Sans gros moyens de mise en scène, ils savent transmettre l’essentiel : la présence, la qualité instrumentale et le plaisir !

Après 2 Ep His Young Heart et The Wild Youth, dont la réputation les avait largement précédé, Daughter, composé du trio londonien Elena Tonra, Igor Haefeli, Remi Aguilella, nous livre, avec  If You Leave, un premier album folk, electro, rock tout simplement… Parfait. Une de ces raretés qui laisse, dès la première écoute, un peu sonné et sous le choc d’une révélation … sombre et troublante.

Sublime Tomorrow…

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Des compositions, « jamais noires ou blanches mais plutôt avec une connotation grise », selon le groupe. Un album bien éblouissant pour du gris… Mais Attention du gris jamais uni, toujours décliné dans toute une multitude de nuances délicates de l’ardoise à l’anthracite en passant par l’argenté ou le cendré, afin de dépeindre des sentiments mélancoliques, délicats ou émouvants, le tout accompagné d’orchestrations majestueuses.  Avec If You Leave, au fil des EP, des concerts et de leur parcours, ils sont encore parvenus à gagner en intensité.

Bouleversant Still, à la fois dépouillé et intense.

Leur musique personnifie une parfaite alchimie entre de très beaux textes obscurs, composés par Elena et inspirés des côtés négatifs de sa vie, en symbiose avec une musique insinuant l’espoir, grâce à ses envolées lyriques électro ou ses guitares traînantes.

A travers Elena, un ange nous parle. Difficile de ne pas être fasciné par sa voix, sa façon de chanter, empreinte de fragilité ou de désarroi, grâce à ses pauses, ses silences, ses murmures… Des émotions à fleur de peau et une sensibilité déjà confirmées sur scène … A voir en concert le 19 avril prochain au Café de la Danse.

Après le choc d’un premier album inclassable acclamé par la critique (groupe NME 2011), Zeroes Q.C, on attendait beaucoup du quatuor de Montréal et de son électro rock atomique.

Images du Futur enfonce le sillon tracé par son prédécesseur et confirme la naissance d’un son puissant et novateur, qui ne ressemble à rien de connu. Mix de techno originelle de Détroit, techno minimale allemande, jazz, musique contemporaine minimaliste, krautrock et rock volcanique.Des mélodies et des structures de chansons simples mais d’une richesse sonore infinie.

Une musique sinueuse, nerveuse et mouvante avec une batterie hypnotique, des lignes de basse incroyables, des guitares venimeuses, chancelantes et acides, des claviers futuristes et une voix spectrale filtrée. Un beat lourd et répétitif, un groove implacable et un côté psyché bien planant. Un mélange détonnant concocté par le leader Ben Shemie, chanteur, auteur et compositeur principal.

L’album se décompose entre compositions électro rock minimalistes et répétitives incendiaires (2020, Bambi, Music Won’t Save You) et morceaux plus mélodiques et planants (Eddie’s Dream, Holocene City).

Son titre (référence à une exposition d’Arts et de Nouvelles Technologies) illustre bien la vision moderne et visionnaire du groupe et ce disque s’impose d’ores et déjà comme la première déflagration musicale de l’année!

Here come the Suuns…

Heureusement pour nos oreilles, après un mois de Janvier qui nous avait laissé un peu sur notre faim, le mois de Février s’est révélé riche en coups de coeur musicaux. D’ou une sélection plus fastueuse et alléchante…

Citons en vrac et dans le désordre le retour majestueux de Nick Cave, l’univers psyché féérique de Jacco Gardner, la pureté d’Anne Pierlé, les nouveaux poids lourds rock britanniques Palma Violets, le dernier phénomène pop en provenance de Belfast, Girls Names, les boucles entêtantes de Mazes pour leur surprenant deuxième opus, la pilule anti-morosité Unknown Mortal Orchestra ou l’électro rock au parfum de Radiohead PVT.

Bref, du bon son à savourer à plein volume!

Ce mois-ci, pour illustrer la playlist, plutôt que Jacco Gardner ou Nick Cave, vus un peu partout, nous avons choisi, après de longues tergiversations, la pochette de Mazes pour des critères esthétiques.

Nick Cave - Push The Sky Away

Jacco Gardner - Cabinet of Curiosities

Palma Violets - 180

An Pierlé - Strange Days

Girls Names - The New Life

Mazes - Ores & Minerals

Vox Von Braun – Rich & on Wheels

Matthew E. White - Big Inner

Unknown Mortal Orchestra - II

H-Burns - Six Years

Granville - Les Voiles

PVT - Homosapien

Beach Fossils - Clash The Truth

The Revival Hour - Scorpio Little Devil

Jim James - Regions of Light and Sound of God

Olöf Arnalds - Sudden Elevation

Apparat- Krieg Und Frieden (Music for Theatre)

Dog is Dead - All our favourite stories

Oui, en ce début 2013 les Palma Violets ont déjà été propulsés Révélation rock anglaise de l’année avec leur premier album 180…  Les londoniens ont fait monter le buzz en postant sur la toile, en amont, plusieurs tubes rock imparables, extraits de 180. Un premier album entré directement dans la cour des grands, grâce à une signature chez Rough Trade Records (The Strokes, The Libertines, The Smith) en 2012 et une intronisation par NME élisant leur single Best of Friends, meilleur titre 2012. Sans parler de leur album, estampillé Album de la semaine sur Canal+… Oui, presque autant de bonnes raisons de les détester d’emblée… Mais non. Il suffit pour s’en convaincre d’écouter le galvanisant Best of Friends, qui une fois écouté ne vous lâchera plus, avec son côté rock déjanté et positif…

Le groupe, composé de Sam Fryer (voix, guitare), Chilli Jesson (basse), Pete Mayhew (claviers) et Will Doyle (percussions) assène un rock brut et énergique, sous influences des Hives, des Strokes, et des Libertines… Ou parfois teinté de psychédélisme, comme dans Stet Up for the Cool Cats.

Avec les Palma Violets, un vent rafraîchissant d’insouciance et de rébellion souffle sur nos têtes, amené par des mélodies impeccables qui savent nous emporter à vive allure vers d’autres horizons, beaucoup plus sauvages. Un album qui s’écoute d’une traite, avec un dernier morceau  (14) de 8 minutes révélant d’autres facettes musicales du groupe.

Enfin, grâce à une série de lives électriques et survoltés, les Palma Violets bénéficient d’excellents retours sur scène, sur laquelle ils jouent avec toute l’énergie et la rage de leur jeunesse. A vérifier par soi-même le 5 avril à la Flèche d’Or.

Enfin, Nick Cave revient après quatre années d’absence. Aujourd’hui, son quinzième album Push The Sky Away, a été dévoilé. 

Car cela fait maintenant 30ans que Nick Cave nous livre ses questionnements, ses émotions et ses tourments. En 1984, il forme Nick Cave & The Bad Seeds après la séparation de The Birthday Party. Avec les Bad Seeds il se prêtera avec délectation et sans discontinuer à l’expérimentation et la curiosité musicale et émotionnelle. Malgré cette curiosité et cette soif de nouveauté, Nick Cave a toujours conservé ce respect des mythes anciens qui l’habitent et le nourrissent sans cesse.

Imaginez l’effervescence lorsque, fin novembre, des bruits courent sur l’éventualité d’un album de Nick Cave & The Bad Seeds très prochainement. A l’affût, je guette…

Courant décembre, l’annonce est confirmée avec un premier single Whe No Who U R qui ne fait que décupler mon impatience à travers son clip réalisé par Gaspar Noé. L’atmosphère toujours aussi envoûtante de Nick Cave reprend sa place d’emblée.

Janvier : Un deuxième titre est dévoilé avec Jubilee Street. J’erre alors à ses côtés sur les trottoirs de cette ville, le vent glacial rougissant mes joues, sa voix rauque et sombre devenant hôte de ma nuit. OUI, je pense être en capacité de dire, d’ores et déjà, que cet album sera GRAND !

Et nous y sommes. L’album est là, juste là … à portée de mains. Neuf titres ! Oui, seulement neuf mais d’une telle qualité et d’une telle homogénéité que ces 40 minutes ne suffisent pas et la touche repeat sera actionnée par tous. Cet album est une histoire. Une histoire qui nous laisse songeur sur le monde actuel… A quoi doit-on accorder du crédit dans nos vies emplies d’engouements passagers et de consommation rapidement oubliée?

Avec Water’s Edge, la voix de Nick Cave hypnotisante et poétique est à son paroxysme. Il scande ses paroles accompagné par des violons lancinants.

We Real Cool cède la place aux guitares addictives des Bad Seeds auxquelles se mêlent les cordes. Ce titre crée une attente, tel un suspense insoutenable accroché par un refrain d’une beauté exceptionnelle.

Les titres Wide Lonely Eyes ou bien encore Finishing Jubilee Street sont sublimés par des choeurs troublants et magnétiques. Et la perfection est atteinte avec le titre éponyme de l’album Push The Sky Away qui ne peut vous laisser de glace.

Avec cet opus, Nick Cave nous offre avec grande classe un album obsédant, intimiste, obscur et splendide. La qualité la plus importante de sa musique étant probablement cette valeur positive de la tristesse qu’il nous transmet nous permettant d’évaluer notre bonheur.

Les disques, c’est comme les émois amoureux.On a parfois des palpitations mais rarement un coup de foudre à  la première rencontre.

En ce début d’année, difficile de retenir un album parmi une pléiade de sorties pourtant prometteuses. Mon premier emballement va pour Cabinet of Curiosities  de Jacco Gardner et sa sunshine pop baroque, fine et mélodique.

Dernière recrue de Boogie Drugstore, ce jeune surdoué hollandais de 24 ans lorgne ouvertement vers les grand maîtres de la pop psyché des sixties, Syd Barrett en tête, les Zombies ou Love, avec une excentricité à la Tame Impala et un génie touche à tout à la Beck.

De solides références pour ce musicien accompli (4 ans de clarinette, 2 ans de basse, des années de chant, de guitare et de solfège, plus des études de composition et de production avec l’obtention d’un master à la clé, excusez du peu !).

Ce bagage musical très complet permet à ce doux rêveur solitaire et mélancolique de créer un univers très personnel et féérique, dans son home studio, le "Shadow Shoppe Studio", à Zwaag, à une quarantaine de minutes d’Amsterdam. Il a ainsi réalisé et enregistré seul ce premier opus, allant jusqu’à jouer tous les instruments (guitare, harpe, cordes, flûtes) excepté la batterie.

L’utilisation de nombreux claviers analogiques psyché, les arrangements subtils et luxuriants, confèrent à sa musique un côté fantasmagorique et enfantin, entre rêveries ensoleillées (Clear The Air, Summer’s Game) et ombres cauchemardesques (Help me Out,One Eyed King).

Au final, l’album se savoure sur la longueur et révèle un artiste prometteur. Pour peu qu’on s’éprenne de sa recette planante de contes de fée….

En concert à la Mécanique Ondulatoire le 22 Février.

An Pierlé revient après des bouleversements personnels qui ne peuvent échapper à personne prêtant une oreille attentive à ses textes d’une douceur absolue…

La jolie belge n’en est pas à son premier opus. Strange Days est son cinquième album. Et quel album ! Oui, An Pierlé sait parler de ses blessures, de ses bonheurs avec délicatesse, recul et singularité. Cette jeune blonde était apparue des plus candides, avec son premier album Mud Stories en 1999, agrémenté de ses confidences minimalistes. Elle a ensuite abordé une ambiance plus feutrée et élégante avec le fragile Helium Sunset où elle apparaissait déjà perchée sur son ballon transparent gonflé à l’hélium au plus proche du clavier de son piano.

Après cette période solo ou duo avec son compagnon Koen Gisen, An Pierlé a ensuite choisi de vivre une aventure de groupe en créant An Pierlé & White Velvet et son album éponyme. L’aventure se poursuivra de longs mois sur scène à travers l’Europe.

Aujourd’hui, elle revient enfin, en solo-piano-voix, toujours perchée sur son ballon et avec sa voix toujours aussi envoûtante, cristalline. Elle nous offre l’évasion, la douceur et une poésie rare dès les premières notes… Mais que dire lorsque sa voix d’une pureté infinie se fait entendre à part : Mmmmmmh… (merci aux onomatopées qui permettent parfois d’exprimer l’inexprimable !)

Son album a été précédé du single Such a Shame de Talk Talk, reprise témoignant de sa douceur, de son talent et de son ingéniosité.

Les premières notes de cet album s’ouvrent sur le titre The House Of Sleep qui nous entraine vers un ailleurs inexplicable. Elle nous capture et nous envoûte … comme son inoubliable Sorry de l’album Helium Sunset.

The Heart Winter est probablement le titre le plus intime de cet album. An évoque à travers ses mots la naissance de son enfant et l’amour inexorable qu’elle lui voue avec des mots simples et une mélodie aux airs de berceuse. Elle nous transmet son émotion sans se laisser happer par le larmoyant, c’est ce qu’on appelle : la justesse des sentiments.

Je ne vous ferai pas le rapport de chaque titre même si chacun le mériterait. Je vais vous laisser vous délecter des mélodies et de la poésie de cette petite merveille apaisante qui saura aussi vous transmettre une force inégalable.

L’album d’An Pierlé sera disponible le 18 Février alors précipitez-vous et laissez vous caresser… Ainsi qu’au Café de la Danse le 2 avril.

En retard, petit recap des albums de Janvier, vu le nombre impressionnant de sorties… Beaucoup de coups de coeur, mais pour l’instant, encore aucun vrai coup de foudre chez Popsteel.

Au passage, la cold wave classe de Waves Machine se fait vraiment remarquer. On apprécie Indians et sa folk nordique structurée, on danse évidemment sur les tubes de Foxygen, on fond sur la pop délicieusement sucrée d’Adam Green et Binki Shapiro, on salue le bel album pop des Delano Orchestra passé inaperçu et on frissonne sur le sublime titre Hold Back the night d’I Am Kloot. Les téméraires peuvent se risquer sur l’expérimental L.Pierre, projet issu d’Aidan Moffat, le chanteur d’Arab Strap. Bref, un mois de janvier plutôt bien rempli, avec notre sélection… Ah, oui, chaque mois, la playlist sera illustrée par le visuel de la couv la plus sympa esthétiquement, dans nos sorties, donc ce mois-ci L.Pierre.

Indians – Somewhere Else
I am Kloot – Let them it all
Yo La Tengo – Fade
Foxygen – We are the 21st Century Ambassadors of Peace & Magic
Wave Machines – Pollen
Widowspeak – Almanac
Christopher Owens – Lysandre
Adam Green and Binki Shapiro - Album éponyme
Mice Parade – Candela
The Delano Orchestra – Eitsoyam
The Villagers – Awayland
Local Natives – Hummingbird
Ducktails – The Flower Lane
L.Pierre – Island Come True
Ex Cops – True Hallucinations

Le Jour où j’ai vu Dominique A. sur scène … Le 30 Novembre 2012, Nantes, Salle Maxi à Stéréolux. Ce concert j’y suis allée dans un contexte particulier et une attente inexorable … et J’Y SUIS ENFIN !

Des lumières, Un batteur, un claviériste, un multi-instrumentiste/bidouilleur, un bassiste/contre-bassiste (« spécialement » déjanté à souhait !) et LUI !!!

Les premières notes se font entendre sur Contre un Arbre … souffle coupé…

Mais un concert aussi profond et ancré dans les entrailles ne se raconte pas … (ou difficilement), IL SE VIT !

Alors je vais déjouer les règles de la chronique et vous égrener très simplement la liste des émotions et sentiments qui m’ont parcourue au fil des titres, des minutes, des instants précieux …

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Les mots qui me viennent sont :

Prestance, Force, Puissance, Rock, Beau, Élégance, Frissons, Échos, Rouge, Unique, Nantes, Faussaire, Twenty-two, Peau, Bowling, Scintillement, Émue, Poète, Vibrations, Envie, Lueurs, Convoi, Peines, Sens, Maturité, Grandeur, Parcours, Battements, Résonance, Horizon, Virtuose, Lié, Cadeau, Talent … Immense !

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MERCI Monsieur Dominique A. 

TOP DE LILIE

Grace and Lies de FAMILY BAND

Ce premier album est la fusion parfaite de l’ombre et la lumière. Il nous enveloppe de sensibilité, d’élégance et de profondeur. Charmée !

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Narrow de SOAP & SKIN

Anja Plaschg se livre à nouveau corps et âmes dans ce deuxième opus qui frôle la perfection et l’atteint (grandement) scéniquement ! Frissons !

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Troops de LIESA VAN DER AA

Un premier album pop fêlé, inventif, innovant et ensorcelant aux émotions multisensorielles garanties. Elle nous embarque vers le brut et l’expérimental. Ensorcelée !

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I Thought I Was An Alien de SOKO

Un premier album attendu depuis cinq ans où Soko se raconte, murmure ses peurs tout en susurrant à votre oreille des comptines joyeuses. Pureté !

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Kill For Love de CHROMATICS

Cet album entremêle des montées électro incontournables et la pop/disco sombre. Une rare perle du paysage électro. Envoûtement !

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Sweet Heart, Sweet Light de SPIRITUALIZED

La Renaissance indescriptible de la pop de Jason Pierce, Vertige !

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Orkney : Symphony Of The Magnetic North

Un album d’une poésie rare, joyau symphonique et spleenesque. Emotion !

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Vers les lueurs de DOMINIQUE A

Dominique A s’enracine dans notre paysage musical avec ce nouvel opus magique, profond et poétique assorti d’une tournée forte en émotions. Puissant !

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An Awavesome Wave d’ALT-J

La pochette en origami d’ALT-J est une des preuves de leur originalité et de leur créativité incomparable mais surtout incontournable cette année tant leur pop/rock/électro est sinueuse et inclassable. Addictif !

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Rats de BALTHAZAR

Un deuxième album subtil, charmeur et intègre qui conforte le talent et l’ingéniosité de ce groupe rock belge comme l’un des plus grands albums de l’année. Charmée !

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TOP DE STEPHANIE

Rats de BALTHAZAR 

 Le deuxième opus des belges, composé de bijoux sombres rock et travaillés, est, tout simplement, un incontournable de l’année.

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 An Awavesome Wave d’ALT-J

Inventifs, modernes et décalés, les 4 anglais de Leeds incarnent l’évidence Rock 2012 avec un premier album époustouflant.

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 Sweet Heart Sweet Light de SPIRITUALIZED

Un grand album électrique et inspiré pour la lumineuse renaissance pop de Jason "MasterPierce".

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 Now d’ANGIL & THE HIDDENTRACKS

Avec Now, le collectif mené par Mickael Mottet créé une parfaite alchimie entre ses influences jazz, rock, ou musique classique pour un concentré d’émotions fortes et inventives.

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 Bloom de BEACH HOUSE

Attention ! Dès que Victoria Legrand chante, une vague electro pop, sombre et romantique, déferle pour nous happer…

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 Soldiers de ST-AUGUSTINE

Majestueux, profond et classe : l’un des plus beaux albums folk de l’année, composé par le très talentueux François-Régis Croisier.

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 Album éponyme de TOY

Dans le sillage de The Horrors, les londoniens de Toy nous administrent une claque rock en 2012, avec un premier album aux influences psyché et des looks androgynes.

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Put Your Back NT2 de PERFUME GENIUS

Le second album de Perfume Genius est un petit chef d’œuvre intimiste de délicatesse, de sensibilité et d’émotions. A l’image des fêlures de son compositeur, Mike Andreas.

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 Overgrown Path de CHRIS COHEN

Après ses participations au sein de Cass McCombs ou Deerhunter, Chris Cohen entre dans la lumière avec des mélodies pop parfaites, dignes d’un excellent songwriter des 70′s.

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 Tender New Signs de TAMARYN

Hypnotique, la dream pop vaporeuse de Tamaryn, proche des Cocteau Twins, procure un pur moment de flottement en apesanteur.

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TOP DE FABIEN

An awavesome Wave d’ALT-J

Avec leur premier opus mystique et habité, le quatuor de Leeds s’impose comme la révélation rock de l’année.

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Sweet Heart Sweet Light de Spiritualized

La lumineuse renaissance pop de Jason "Spacemen" Pierce, un miraculé des excès rock en tout genre avec un album magnifique qui sonne comme un classique.

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Bloom de BEACH HOUSE

L’envoûtante Victoria Legrand fascine toujours autant et nous emporte dans un tourbillon d’émotions fortes avec grâce et romantisme.

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TOY

Dans un cru dominé par l’électro-pop et la folk, les riffs homériques, les envolées psyché et la morgue adolescente de Toy remettent le rock à l’honneur.

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Rats de BALTHAZAR

Les belges de Balthazar ajoutent de la sensibilité à leur rock version Deus pour un sublime album pop.

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Calendar de MOTORAMA

Les sympathiques russes de Motorama amènent un vent de fraicheur bienvenu avec leur pop subtile et bipolaire.

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Lonerism de TAME IMPALA

Le joyeux et foutraque rock psyché 70′s des australiens casse toutes les barrières pour une euphorique bacchanale planante et barrée.

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Now de ANGIL AND THE HIDDENTRACKS

Talent multifacette pour le collectif nantais emmené par Mickael Mottet entre rock, pop et free-jazz pour un petit chef d’œuvre hors des sentiers battus.

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Oshin de DIIV

La nouvelle sensation rock de Brooklyn emporte tout sur son passage avec sa power pop survitaminée.

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DJANGO DJANGO

Dans la lignée du cultissime Bêta Band, les écossais de Django Django nous séduisent avec leur pop baroque passée à la moulinette electro pour un premier album prometteur.

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LA PLAYLIST DU TOP POPSTEEL EN ECOUTE :

Soko, Stéphanie Sokolinski, auteur-compositrice-interprète et actrice nous a offert cette année son premier album,  I Thought I Was An Alien. L’attente fut longue : 5 ans depuis le buzz de son single, I’ll Kill Her, sur la toile. Après ce succès elle sort en 2007 un EP et enregistre un album en 2008, mais le détruit dans la foulée… Apeurée par l’engouement qu’elle suscite, la pression qu’elle subit, Soko plaque tout et décide de se retirer quelques temps du monde, faire du yoga, virevolter entre Los Angeles, Londres et New York et tenter l’expérience cinématographique (« A l’origine », « Bye Bye Blondie », « Augustine »…).

I Thought I Was An Alien a été, ces 5 dernières années, maintes fois évincé, détruit, désavoué, recommencé à zéro. Mais l’obstination de Soko, son refus de la facilité et son acharnement à conserver l’intégrité de ses chansons auront eu raison de tout. Tout ! Car elle gère tout (pochettes, photos, site internet, vidéos…) ! La tâche la plus difficile pour elle a été de faire le tri de la centaine de chansons livrées sur ses 8 cahiers qu’elle appelle joliment ses « grimoires ». Ces chansons qu’elle couche sur la papier telles des lettres ou des secrets intimes chuchotés à des êtres aimés.

Lorsque les gens demandent à Soko quel genre de musique elle fait elle confie «  Je fais des secrets punk, des mélodies intimes délicates, lo-fi, aux cris pleins de rage ». Soko dit qu’elle a fini par accepter de graver ses chansons sur un objet à cause de sa peur de la mort … Cette peur l’assaille continuellement mais lui donne aussi la force de ne vouloir perdre aucune minute et vivre chaque instant comme si elle ne verrait pas le suivant. La mort de son père à sa petite enfance reste un choc obsessionnel auquel elle fait référence dans cet album sur les titres We Might Be Dead By Tomorrow, Happy Hippie Birthday mais aussi  I’ve Been Alone Too Long .

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Ce disque, confectionné avec Fritz Michaud, collaborateur d’Elliott Smith sur From a Basement on the Hill, traite de sentiments, d’amour, de sagesse, de force, de la tendresse de la jeunesse mais aussi de mort, de l’abandon et de la peur de ne pas appartenir au monde. Elle témoigne des épreuves et des larmes qui dessinent le contour de son âme au cœur brisé. Néanmoins, Soko a ce talent de mettre en musique ses sentiments d’une façon dévastatrice mais aussi simple et euphorisante.

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Une folk venue d’ailleurs, de trous noirs, de planètes désolées… cet album n’a pas d’âge, pas de patrie mais il est d’une hospitalité étrange : des chansons à la fois oniriques, enfantines mais aussi monstrueuses. Disque bricolé avec soin, bidouillé juste ce qu’il faut et comme il faut. A l’instrumentation minimaliste, surtout pas pompeuse, tout comme les arrangements et la production.  Soko se raconte, murmure ses peurs, tout en susurrant à votre oreille des comptines joyeuses telles que Why don’t you eat me now you can ou You have a power on me. Mais peut aussi révéler la lumière comme avec  First love never dies  et son refrain enivrant ou Destruction of the disgusting ugly hate .

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Soko est une artiste guidée par ses émotions et ses névroses ne s’arrêtent que lorsqu’elle joue. Son univers nous (me) traverse sans garde-fou…

I Thought I Was An Alien

Au fond, c’est quoi un bon disque de rock ? Un son qui vous pousse à monter le volume à fond sur la chaine sans se soucier des voisins et à remuer frénétiquement en basculant sa tête d’avant en arrière en un plaisir furieusement régressif. Une musique ludique et adolescente quoi. Cette notion de plaisir immédiat transpire du premier excellent album éponyme de Toy.

Ce quintet londonien, composé majoritairement d’anciens membres d’un groupe peu recommandable de brit pop, Joe Lean & The Jing Jang Jong, navigue entre post punk et psychédélisme pour une musique sombre et ludique à la fois, qui donne envie de bouger et de planer. Un peu le même univers que leurs potes des Horrors dont ils bénéficient du parrainage bienveillant.

Rythmiques krautrock, batterie métronomique en tête, bon gros riffs héroïques shoegaze joués pieds au plancher dans un mur de distorsion à la sonorité précise et maîtrisée, et synthés aériens psyché. Portés par le magnétisme de leur chanteur Tom Dougall, à la morgue et l’assurance très travaillée, Toy cultive une image impénétrable et androgyne.

Rodé sur scène après quelques concerts estivaux un peu balbutiants, ce disque regorge de morceaux homériques assez longs à la structure progressive ou les instruments prennent peu à peu le pas sur la voix pour finir dans un déluge sonore,  comme le puissant Motoring ou l’hypnotique Lose My Way. Un seul regret, l’absence du titre  Left Myself Behind  et ses guitares entêtantes.

Dans une année 2012 marquée par la prédominance d’artistes pop ou folk, le rock jouissif et cosmique de Toy fait du bien aux jambes et aux oreilles…

Toy en écoute

Après avoir joué les seconds rôles au sein des Deerhof, Haunted Graffiti ou Cass Mc Combs, le californien Chris Cohen a sorti son premier album solo, Overgrown Path, disque mis au point pendant 3 ans. Et résultat, un peu comme un magicien, l’outsider nous sort, tel un lapin de son chapeau, une œuvre d’une virtuosité pop folk psyché surréaliste, soigneusement élaborée… et digne d’un parfait songwriter des années 70.

Overgrown Path ne fait pas partie de ces plaisirs musicaux « immédiats », procurant une intense révélation dès les premières minutes  mais il arrive à distiller, inexorablement, nostalgie et addiction au fil des écoutes. La classe, quoi.

Jamais dans le trop ou l’excès, Chris Cohen parvient, grâce à d’ingénieux arrangements, à distribuer toute une palette de nuances pop, jazzy, psyché à travers ses chansons. Son album semble minimaliste mais est constitué de compositions où poésie, sourires, regrets, espoir, sérénité se contredisent et s’amalgament dans des transitions parfaitement orchestrées et maitrisées. Le titre Monad illustre bien l’ambivalence et la complexité sous-jacente des mélodies pour nous entraîner dans les labyrinthes de son "Overgrown Path ".

Impossible de résister au rayonnement solaire de Optimist High ou à la douce mélancolie de Heart beat, porté par le chant tout en subtiles émotions de Chris Cohen. Finalement, les compositions ressemblent fort aux flocons de neige dentelés qui viennent illustrer la pochette : tous peuvent paraître identiques, mais aucun n’est exactement le même. En y regardant de plus près, chacun a ses particularités…

En concert au Point Ephémère dimanche 2 décembre, avec Mac DeMarco.

Raphaël d’Hervez, le Nantais, se cache derrière le projet de Pégase, né en 2008 suite à un voyage berlinois. Le jeune Nantais a su créer une musique mêlant subtilement la pop, la techno et même parfois la house de nos chères années 80.

Et la fin d’année 2012 est riche de bonnes nouvelles pour Pégase : un nouvel EP "Dreaming Legend", une programmation aux Transmusicales de Rennes le 7 Décembre prochain et un clip d’une qualité cinématographique (images de son père datant de 1974 sublimées par le talent de Pierre Jeunet et Alain Goillon réunis) pour le titre éponyme de son EP comme vous le constaterez :

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Ce titre nous donne avant tout envie de sourire. Si vous vous y plongez, vous allez commencer à ressentir de petits picotements dans la jambe droite, puis la gauche, puis les hanches vont commencer à se balancer naturellement… Et c’est là que votre sourire se formera spontanément sur vos lèvres, que vos yeux commenceront à scintiller et que, sans l’avoir voulu, vous vous surprendrez à voir votre corps prit de soubresauts et sautiller frénétiquement en balançant les bras comme pour accueillir un vent de liberté, une échappée chevaleresque comparable à New Order et leur inexorable "Temptation" ! Oh ! Quelle comparaison me direz-vous ? Oui j’ai osé !

Essayez par vous-mêmes !

Ecoutez ici :

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Shy Pursuit, 3^ème album pop des Spinto Band, des américains de Wilmington, a tout d’un soleil d’automne, prêt à réchauffer et à éclaircir des journées voilées et assombries.

Tout l’opus a été écrit, produit et enregistré dans leur QG, le Garden Center, siège de leur label Spintonic Records. Un privilège qui leur a permis de prendre tout leur temps et de concocter l’album dont ils rêvaient : inventif et inattendu. Chaque titre, tel un petit bijou, se retrouve toujours orné de multiples éléments travaillés et originaux, capables de distiller surprises, bonne humeur et insouciance. Des compositions clairsemées de bidouillages en studio, de pedal style guitar, de clarinette, de xylophone, de guitares, et de nombreuses harmonies vocales en fond… Des mélodies souriantes, joyeuses, enlevées mais immanquablement recherchées et imaginatives…

Take it

Comme l’exotique Muesli, ou Take it, née d’un exercice à la Thriller ou des synthés accompagnent des orchestres de chambre… On comprend mieux l’exploration musicale du groupe, capable de nous emporter dans un monde pop différent à chaque titre. Une continuité de doses d’enchantement, de ravissement et de frivolité.

Muesli

Bref, The Spinto Band nous conquis avec une pop tournesol, aux allures de Beach Boys, toujours dirigée vers le soleil… qui pourrait presque nous laisser imaginer que l’été va bientôt arriver. Cool, un Mojito, s’il vous plait!

Keep them alive

Et le 3 décembre, en concert à la Maroquinerie!

Aujourd’hui, pleins feux sur le single de Faune en attendant "patiemment" la mise en boîte de leur EP en décembre prochain, mixé par le classieux David Odlum (The Kills).

Trois musiciens/bidouilleurs d’expérience ont donné naissance à un nouveau venu dans notre paysage musical : Faune ! Un nom qui évoque toute la puissance et la force de la nature, de l’ailleurs, de la terre, de la profondeur des âmes…
Faune est la rencontre d’univers musicaux disparates : deux compositeurs de musique Nanto-Parisiens (BO de films, campagnes de pub Kenzo, Givenchy etc…) et le musicien « touche à tout » Nantais de Gong Gong et Pillow Pillots. Les trois comparses, amis de longue date, avaient dans l’idée, qu’un jour, verrait la naissance de « leur » musique, la transcription de leurs influences, de leurs histoires, de leur amitié, de leurs envies, de leurs émotions. Ce jour est enfin venu !…

Ils nous embarquent pour commencer avec leur premier single  Tout est une île  pour lequel ils ont demandé à un vidéaste de mettre délicieusement en image les paroles délicates entremêlées à des percussions poignantes. Leur pop, toute en clair-obscur, planante, rêveuse, nous fait sillonner leur île avec une poésie rare.

Faune Site officiel

L’anversoise Liesa Van Der Aa, vient de sortir son premier album Troops, et il serait vraiment regrettable de ne pas prendre quelques minutes pour découvrir une artiste dotée d’une personnalité forte, singulière et magnétique. Entre le côté expérimental barré de Bjork et de Laurie Anderson, Troops exhibe une pop fêlée, inventive, innovante et ensorcelante aux émotions multisensorielles garanties…

De formation classique avec le violon, Liesa s’est ensuite tournée vers d’autres influences musicales rock, pop ou jazz, à travers le Velvet, Prince ou Chet Baker…

Pour ce premier album, elle conjugue donc tous ses talents et influences multiples pour créer une œuvre hybride et instinctive nous embarquant vers le brut et l’expérimental. Et tout en prenant un malin plaisir à aller à l’encontre des codes musicaux établis pour toujours se révéler surprenante et créative. Avec comme principal instrument, son violon, mais traité façon Liesa… souvent malmené, trituré, et distordu…

Chacun des titres de l’album, avec des styles différents, forment un ensemble de sons étonnants s’intégrant dans un univers décalé, troublant… Parfois jusqu’au dérangeant mais tout en exerçant un étrange pouvoir de fascination simultanément. Un monde de chaos harmonieux, à la Laurie Anderson mais aussi lynchien, où l’amour pur côtoie le mal absolu, où les choses sont rarement ce qu’elles semblent être. Une nature déviée traduite dans les compositions de Liesa par le téléscopage de la frénésie et de la lenteur. Ses morceaux laissent en permanence dans l’attente des sensations procurées par les notes… tant l’inattendu et l’inhabituel peuvent surgir à chaque minute.

Pour mettre en images son album si particulier, l’artiste a fait appel à 10 artistes contemporains touche à tout (metteurs en scène, réalisateurs, vidéo-artistes, plasticiens…) pour réaliser ses clips. Les résultats, selon les titres, sont à l’image de Troops : inventifs, différents, pluridimensionnels et insolites. Tous les clips de l’album Troops à visionner en cliquant ICI!

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En prime, une reprise live d’Iggy Pop dévoile ce dont Liesa est capable sur scène, juste avec son violon et sa voix :

Autant vous prévenir tout suite, soit on adore Cheval Blanc, sa voix pleine de fêlures, sa sensibilité d’écorché vif et son univers poétique écumé de spleen baudelairien, soit le côté solennel, les  arrangements de piano shelleriens et l’emphase littéraire mélancolique, ça ne passe pas trop. Pour ma part, la première écoute d’Isolement (texte magnifique de Michel Houellebecq) m’a bouleversé (chair de poule incluse !).

Sous ce pseudo intriguant (un esprit mal placé y verrait une référence à l’héroïne) tiré du nom de son premier blog Anti Punk Cheval Blanc, se cache Jérôme David Suzat-Plessy, ex cofondateur et bassiste de No One is Innocent. Nourri à la cold wave et au post punk, la passion de l’écriture et l’amour des mots développé dans ses textes et poèmes sur ses blogs successifs le pousse à écrire des chansons en français sur des instrumentales acoustiques piano/guitare aux mélodies épurées.

Il enregistre au fur et à mesure des morceaux magnifiques, aux résonnances intimes, bricolés avec les moyens du bord, formant la matière de 2 E.p : Révélations et Révolutions , disponibles chez Bruit Blanc. Les mots sonnent juste, évoquent les contours sombres et mélancoliques d’une personnalité tourmentée et attachante. Sincère, fragile et authentique, avec une Âme.

Une perfusion d’émotion qui fait du bien à l’heure de Lescop et consorts !

Les E.P en écoute intégrale :

Il serait dommage, comme j’ai pu le faire, de passer à côté de Coline, une formidable pépite pop folk du trio parisien de Baden Baden.

Un premier album, sorti le 1^er octobre dernier, combinant l’originalité d’être à la fois pop et folk, en anglais et en français, ni too much, ni ridicule, dans l’un ou l’autre des deux versants. Mais plutôt d’une étonnante justesse paradoxale…

Que ce soit sur les titres pop mélancoliques en français, comme La descente… Poésie des mots, influences de la voix, accords délicats et identification aux thèmes résonnent en nous et semblent toujours appropriés, pour s’intercaler parfaitement entre émotion et justesse. Avec des mélodies souvent enjouées pour mieux asséner des textes en décalage, doux amers, intelligents, sobres et sensibles.

Et pour leurs parfaites pop songs, les sons anglo saxons sont accolés à des arrangements très soignés et revendiqués par le groupe comme un aspect presque « architectural » dans leur processus de création. On sent chez les Baden Baden, un amour de la recherche musicale proche du perfectionnisme… laissant peu de place au hasard sur la complexité de leurs compositions ciselées. Des chansons faussement légères mais toujours singulières, empreintes de sentiments ambigus et d’accords raffinés.

Avec Coline, Baden Baden nous apporte dans un écrin soyeux un album subtil, tout en nuances, se concluant par l’aérienne et évanescente Last Song de 7, 15 minutes, merveilleuse étoile coruscante pour espérer apercevoir le firmament…

Et en concert le 13 novembre au Nouveau Casino.

You’ll see

La descente

Good heart

Last song

Tout cela serait juste extrêmement sympathique si, en prime, Coco Business Plan ne réalisait pas également des pop songs classes et efficaces en diable. Chant, batterie et guitare et deux petits plus capables de faire LA différence : inspiration et inventivité.  Fortement influencés par les Beatles, et dans la veine de The Bewitched Hands, des excellents Niandra Lades ou des incontournables Calc, il sortent leur épingle du jeu et proposent des compositions personnelles, non exemptes de mélancolie, mâtinées de regrets, de soupirs et de clochettes qui tintinnabulent, rappelant une insouciance souvent lointaine. Des combinaisons pouvant se dévoiler tour à tour naïves, réconfortantes, nostalgiques, douces, sucrées, simples et si mélodiques à la fois…

Tell me

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Le groupe se révèle étonnant aussi, quand, trop vite classé dans la case Happy pop, on tombe soudainement sur Friends, une ballade sparklehorsienne, habitée et superbe, lorgnant vers des riffs sombres et rock, en envolée finale.

Friends

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Puis, une éclaircie revient, énergique, illuminant le spleen qui pointe… Tout est plus léger soudainement, avec une mélodie pour s’oublier, se décomplexer, danser, avoir un petit tournesol qui s’allume dans un coin de sa tête! Mais comment pourrait-il en autre autrement avec un titre aussi sunshine pop, baptisé I’m Well.

Coco Business Plan s’incorpore idéalement dans un dimanche après-midi régressif avec Fraises Tagada ou Dragibus à portée de main. Pour voir plein de petits Smarties multicolores défiler devant ses yeux.

I’m well

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Pour découvrir, les news, les concerts et tous les clips depuis Mars ainsi que les prochains, le 15 de chaque mois, c’est sur le lien http://www.anoraksupersport.com/bandnews/coco_business_plan

J’entre dans cette chapelle avec une appréhension d’austérité et de froideur. Je découvre toutes ces chaises de velours rouge, ces lustres d’une magnificence réconfortante, ces drapés bleus-gris enveloppants et pendant du plafond.

Le premier rang est vide : Vite ! Une place, juste là, près d’elle, devant son compagnon scénique : son piano à queue noir. Sur le dessus de son instrument suprême repose un ordinateur et de multiples appareils électroniques. Et puis, au centre proche de la scène : un micro qui me fait déjà tressaillir à l’idée d’entendre la voix d’Anja prendre toute son ampleur…  Maintenant : l’attente dans cette ambiance invitant (malgré un total athéisme) au recueillement le plus précieux.

Elle arrive : toute de noire vêtue, frêle, cheveux oranges, fragile, discrète, intimidée. Elle se place discrètement, sans un bruit derrière le clavier de son piano. Elle choisit d’interpréter « Vater », ce titre dédié à son père décédé récemment et me transporte immédiatement, irrémédiablement, dans son univers, sa noirceur, ses peurs, ses souffrances, ses interrogations… Comment ne pas tomber ? Comment ne pas laisser couler les larmes qu’elle m’arrache, les démons qu’elle parvient à exorciser ?

Pendant plus de 2h l’intrigante Anja Plaschg reprend en intégralité son premier album : « Lovetune for Vaccum » et son dernier : « Narrow ». Pour certains morceaux, elle quitte ce piano avec lequel elle fait corps pour s’approcher du micro central et nous offrir sa seule voix, incarnée, flamboyante, empreinte d’une sensibilité rare. Elle ne se résume pas à nous offrir sa voix, elle s’offre toute entière. Elle est habitée par ses chansons, elles la transcendent, la submergent autant que nous, que moi. Elle clôture cette performance par une reprise audacieuse de « This is the End » des Doors, seule, au piano.

Les mots me manquent pour décrire ce moment de grâce vécu dans cette chapelle. Mon âme s’est trouvée transportée, happée, incontrôlée, vers un univers certes sombre mais d’une force incomparable !

Je suis sortie de cette chapelle comme vidée, lavée, épuisée… dans un état second. Anja, cette femme au physique si fragile, avait réussi à me transmettre sa force, sa détermination, me laver de mes démons et me rendre … évaporable…

Alors que dire aux chanceux qui seront présents à la Cigale dimanche soir ? Profitez de ce don de soi qu’elle vous offrira, profitez de cet état léthargique et cotonneux dans lequel elle vous abandonnera… Savourez et laissez vous transporter !

Déja mythique en Russie et sur la blogosphère après Alps, un premier essai remarqué en 2010, Motorama, comme son nom ne l’indique pas, ne lorgne pas vers les gros riffs à la Motorhead mais vers une pop subtile et bipolaire. A mi-chemin entre une pop rêveuse, légère et aérienne à la Belle et Sebastien et une coldwave plus sombre à la Joy Division ou Interpol. Un peu comme si Ian Curtis s’était décidé à délaisser sa noirceur épileptique pour des rivages plus mélodiques et lumineux.

Adeptes du Do It Yourself, passage un peu obligé quand on veut faire de la pop en Russie, nos 5 lascars de Rostov-on-Don (une grande ville d’1 Million d’habitants perdue au milieu de nulle part, plus exactement aux portes du Caucase) se sont toujours débrouillés par eux-mêmes : production, photos, clips, tournées. De quoi développer un univers bien à eux à l’esthétique léchée et champêtre.

Signés chez Talitres (joli choix du label bordelais après The Walkmen et Will Stratton), Motorama persiste dans sa double identité avec fougue et conviction pour son deuxième album, Calendar, friandise sucrée salée pour oreilles aventureuses. Un fond de basse sépulcrale, de batterie brute, un zeste de nappes de synthé vaporeuses et une fine couche d’arpèges de guitares mélodiques et de rythmiques ensoleillées. Et vous obtenez des compositions à l’apparente candeur, distillant in fine une fragilité à fleur de peau et des effluves de mélancolie onirique, enrobées d’un chant entre cavernes et nuages.

Avec Motorama, Bienvenue dans un monde paisible et doux de forêts, montagnes et grandes étendues désertiques à l’étrangeté sous-jacente…

Tout l’album est en écoute sur le lien ci-dessous, extrait d’un site russe, avant sa sortie officielle le 5 novembre… Le groupe sera également en concert le 27 novembre au Point Ephémère, à Paris.

Calendar

Natasha Khan, alias Bat For Lashes, est de retour avec son troisième album, The Haunted Man. Elle nous surprend avec une pochette d’album très esthétique réalisée par Ryan McGinley qui dévoile tout de suite la complexité de la chanteuse. Natasha y apparaît nue, portant un homme sur son dos et explique : « Je voulais vraiment me dénuder en l’honneur de femmes telles que Patti Smith, pour ces femmes brutes et honnêtes. Je n’avais pas de maquillage, c’est simplement moi et mon homme hanté ». Cet album, pour lequel elle a su prendre plus de risque que dans le précédent, est une suite de titres oniriques, énigmatiques, obscurs… Elle nous livre son éblouissante sensualité à laquelle elle parvient parfaitement à mêler ses peurs, sa noirceur, ses doutes, l’intimité de son âme. 

La voix de la chanteuse a souvent été comparée à celles de Bjork, Kate Bush ou encore Siouxsie Sioux. Cet opus s’ouvre sur cette voix unique, inclassable… vite rejointe par quelques notes et les percussions électroniques permettant à la mélodie de Lilies de se mettre délicieusement en place, superbe, et le morceau décolle …

« All your gold » où Natasha nous confie cet amour passé qui la hante et l’empêche d’aimer à nouveau à travers des réverbérations venant nous hanter de manière quasi imperceptible.

Laura est une ballade au piano des plus mélodieuses, ponctuée de discrets choeurs féminins ou enfantins qui viennent tamiser le rythme pour décupler la puissance du chant de Natasha et la fusion incandescente entre elle et son piano avec lequel elle ne fait qu’un pour délivrer, apaiser, consoler cette « Laura superstar » et lui rendre tout son éclat. 

Winter Fields débute sur une flûte enchantée, puis les cordes se mêlent à ce joyau pour être rejointes par des percussions oppressantes et y crier la peur des « mauvais rêves », l’appréhension de fermer les yeux, la peur de la chute, de l’inévitable … surtout ne pas plonger, ne pas se laisser happer par ces « mauvais rêves »… 

The Haunted Man est un des titres les plus poignants de cet album où Natasha s’est demandé « Que se passerait-il si tous les soldats rentraient chez eux après la guerre, sauf le vôtre ? Et s’il rentre, comment réapprendre la tendresse ? Cette chanson parle des femmes qui attendent et doivent supporter le poids des erreurs des hommes, et aussi du désir de communiquer, même si on ne parle pas la même langue. » Elle a choisi d’y intégrer des choeurs d’hommes venant comme en écho à ce parallèle avec la guerre. Cet écho vous essouffle, vous soulève pour mieux vous émouvoir. Rest your head est le titre le plus apaisant, celui où Natasha nous demande (à travers des sons électro, synthétiseurs rythmés, percussions) de nous hâter, de regarder droit devant, de ne plus écouter tous ces bruits, ces mots dans nos têtes qui nous assaillent parfois comme des coups de marteau nous immobilisant sur place, statufiés par ces questionnement qui nous hantent. Elles nous invitent à prendre le pas sur ces pensées, d’avancer, maintenant et reposer nos têtes sur la sienne… 

Tout l’album à écouter

The Haunted Man en écoute intégrales sur Deezer

Bat For Lashes se produira au Trianon (Paris) le 25 novembre 2012 et au Splendid (Lille) le 26 novembre 2012. 

Les 5 belges de Balthazar, après le déjà remarqué Applause, posent avec leur 2ème album Rats, les bases d’un grand groupe rock en devenir. Mixé par Noah Georgeson (Strokes, Devendra Banhart), l’opus donne une impression de maitrise, de force et de perfectionnisme dans chacun de ses titres. La première écoute de Rats procure d’emblée l’effet d’une fusée qui décolle. Description d’un envol programmé en 3 points pour la découverte d’un des grands albums de 2012…

3-  Certaines choses ne s’expliquent pas forcément… Dès le premier titre d’un opus fort, on sait de façon instantanée, presque instinctive, que l’on écoute quelque chose de rare, de précieux, hors du commun. Une petite lumière rouge s’allume. Embarqué de force, tous les sens sont sollicités pour une virée spatiale dans la galaxie des grands disques. Ce rythme, cette voix (sublime et habitée de Maartin Devoldere), ces envolées… et ces violons, pénètrent l’atmosphère pour atteindre un cosmos où corps célestes et météorites se télescopent… dans notre cerveau. Avec The Oldest Sisters, ouvrant l’album, les guitares, la voix et le saxo entrent en collision pour entrainer une pluie d’étoiles filantes, comme autant d’émotions sur leur passage… nous laissant à la fois émerveillé et désemparé, un peu sous le choc auditif.

2- Le groupe nous offre sur un plateau d’argent, un disque aux compositions complexes et aux multiples influences. Grâce à tous ses petits détails surprenants, inventifs et décalés : une voix rauque et rock aux accents trainants, mais des refrains sonnant comme des comptines enchantées. Des rythmes orientaux, une valse, du groove avec des cuivres, des synthés, des violons accompagnant une mélancolie lancinante… Un OMNI (Objet Musical Non Identifié) entre Deus pour le rock brut ou Arcade Fire pour le lyrisme.

1- Sur Lion’s Mouth (Daniel), des choeurs, des guitares sombres et un chant grave subliment une chanson d’une beauté sidérale. Et le voyage intergalactique se finit avec le titre Sides, en apesanteur, pour un alunissage sur la planète Mars, évidemment… Et j’aurais pu parler de tous les titres, autant de diamants différents composant les innombrables facettes de Rats… On savait déjà que la Belgique comptait de nombreux groupes impeccables, de BNRS, Absynthe Minded ou Ghinzu, en passant évidemment par les fers de lance Deus. Avec leur second album au rock classe, peuplé de magnifiques mélodies pop, Balthazar pourrait bien en devenir le satellite.

Et tout l’album est en écoute via un lien Spotify.

Le groupe, reconnu pour ses prestations scéniques, sera en tournée en France en novembre, avec un passage à Paris le 27 novembre à La Cigale.

Depuis 7 ans, les Dark Dark Dark, originaires de Minneapolis, se baladent, tels des équilibristes, sur le fil de la folk, du jazz, de la pop ou encore de la musique des Balkans. Découverts en France en 2010, grâce à leur second album, « Wild Go », le groupe nous livre un joyau flamboyant avec leur nouvel opus  : « Who Needs Who ». Un véritable ballet instrumental où s’entremêlent accordéon, clarinette, contrebasse, percussions, piano et banjo électrique.

Les chansons ont été écrites, pour la plupart, de la plume de Nona Marie Invie, également interprète. Sa voix (parfait mélange d’intonations de Regina Spektor ou Shara Worden), chaude, magique, enveloppante nous pénètre par tous les pores de la peau et ses airs de piano nous invitent toujours autant (voir plus !) à l’abandon… avec des paroles parfois désespérées, parfois voeux de nouveaux désirs, parfois emplies d’atermoiement, en suspension… Pour Nona, l’écriture a agit comme un catalyseur afin de « comprendre et d’accepter les nuances de mes émotions. Les parties évidentes et les parties sombres. Il y a des moments où il est important d’arrêter de fantasmer pour affronter la vérité sur ce qui se passe ». En effet, elle et le co-fondateur du groupe, Marshall Mc Count, se sont séparés début 2011 et l’existence même du groupe a été remise en question … un temps ! Car les membres ont prit la décision de faire passer leur amour de la musique et leur amitié avant tout et de repartir pour de nouvelles aventures musicales.

« Who Needs Who » est donc un opus écrit dans la douleur, la noirceur, mais aussi dans l’espoir, l’attente, la lumière et l’aspiration à des jours meilleurs. Il nous accompagne dans l’absence … l’absence de l’autre que nous connaissons tous dans nos vies ancrées de solitudes… Les mots, les mélodies ont l’effet d’un passage de rayon de soleil qui nous réchaufferait au creux d’une soirée d’hiver où la solitude se fait plus pressante, mais où, sublimement, un bien-être nous enveloppe, inattendu, doux, rassurant..

Immersion avec la chanson-titre, ballade qui exhorte le mal de vivre à travers les ruminations du piano…

Et puis vient l’entraînant  : « Without You » : «Sans vous, je suis une rivière mon amour / Et sans toi je perds ce qui est bon à la mer ». Et aussi … la puissance de « Hear Me » et ses magnifiques percussions enveloppées de choeurs poignants, criant la douleur, suppliant, comme un dernier appel à l’aide… Enfin, pour clôturer l’album, le magnifique « The Great Mistake » qui nous éclabousse de ses cymbales ornées de notes de piano scintillantes.

Pour résumer, ce « Who Needs Who », en écoute intégrale, est un appel au désir incandescent, passionné, précieux, magistral, gracieux, édifiant, audacieux… ancré dans une mélancolie irréelle … réelle ?! Peu importe… L’inventivité y est mise à nue pour notre plus grand bonheur.

Enfin, les Dark Dark Dark entament une tournée française qui débutera le 27 Novembre à Rennes, Le 28 Novembre à Poitiers, Le 29 Novembre à Laval, le 30 Novembre à Orléans, Le 2 Décembre à la Maroquinerie, Le 3 Décembre à Feyzin, Le 4 Décembre à Strasbourg, Le 5 Décembre à Reims, Le 11 Décembre à Amiens.

L’album des australiens Husky, sorti cet été au milieu de magnifiques perles musicales est, peut être, malheureusement, passé à côté de certaines oreilles. C’est pourquoi un petit coup d’éclat s’impose aujourd’hui !

« Forever So » a été composé dans la plus stricte simplicité et intimité dans le bungalow du jardin de Husky Gawenda (chant et guitare), le leader du groupe, entouré de son cousin Gideon Preiss (clavier et chant), d’Evan Tweedie (basse et chant) et de Luke Collins (batterie).

Le groupe a eu le bonheur et la surprise d’avoir été signé par le grand label de Seattle : « Sub Pop », à l’origine de nombreuses découvertes depuis 1989 (à commencer par Nirvana et auxquels s’ajoutent des noms tels que : Cocorosie, The Beach Boys, Fleet Floxes, The Rapture, The Flaming Lips, Bright Eyes ou plus récemment Low, Iron & Wine, Poor Moon, … la liste est longue !). Le mixage, réalisé par Noah Georgeson (« bidouilleur » de grands noms tels que Devandra Banhart, Joanna Newsom ou The Strokes), retranscrit précisément la pop-folk-rock de qualité créée par Husky.

Ces collaborations sont bien méritées étant donné la qualité de l’album que nous livre Husky à travers « Forever So » si délicat, imparfait (les belles imperfections existent oui !). Un voyage non pas vers l’inconnu mais vers l’intime, la poésie, la délicatesse vocale comme pour ce magnifique « Dark Sea » :

Ils nous embarquent à travers champs, à travers âmes, à travers temps, à travers cœurs … grâce à des harmonies riches mêlant  pop et folk, (où l’on ressent bien leur admiration pour le grand Leonard Cohen, Devandra Banhart, Noah and the Whale et même parfois Bon Iver) comme dans le titre « Animal & Freaks », capable de procurer  des frissons…

Mais ils ne sombrent jamais dans une noirceur ou le « poids » parfois pesant de certaines créations folk nous plombent et nous happent parfois vers les tréfonds de nos idées noires … Cette belle nostalgie, mélodieuse et intimiste s’écoute en toute intimité, sans précipitation… comme ce morceau de « Farewell » concluant avec grâce cet album :

Le petit bémol que je garde en moi ? Ne pas encore avoir eu le plaisir de les découvrir sur scène … une petite tournée sur les routes françaises serait de bonne augure pour, je l’espère, confirmer toutes ces sensations !

Les danois d’Efterklang nous entrainent dans un curieux voyage musical et sensoriel à l’autre bout de la planète pour leur 4ème album. Direction l’île de Spitzberg, située en Russie, au coeur de l’océan arctique, désertée en 1998, lors de la cessation de l’exploitation minière. Et plus précisément au coeur de la ville fantôme de Piramida, donnant son nom à l’album… Avec pour seules âmes qui vivent des ours polaires et comme objet insolite trouvé sur place, un piano à queue, autour duquel le groupe a conçu l’album. Commençons avec un petit aperçu du trailer de l’expédition pour se mettre dans l’ambiance…

Plusieurs écoutes sont nécessaires pour s’imprégner de l’album viscéralement lié à l’île. A son atmosphère, ses vestiges, sa solitude, sa nature hostile ou ses sublimes paysages. Autant d’éléments ressentis à chaque titre et où chaque détail sonore prend son importance dans les compositions. Des voix enregistrées dans un puits pour un écho sublime, des pas sur un ponton, le cri des mouettes, le son du vent…

Alors oui, il faut aimer être contemplatif, les étendues  grandioses et désolées, les esprits du passé hantant une ville fantôme… pour adhérer à Piramida, accompagné de la troublante sensation d’être seul au monde, isolé. Et à la lenteur des morceaux : puisqu’ici, hors du monde réel, les secondes s’égrainent différemment, le temps s’est arrêté…

Efterklang nous livre un album pop electro tout en retenue, minimaliste, introspectif… mais inspiré, capable de toucher au coeur et à l’âme, regorgeant de surprises sonores, d’où s’échappe parfois une lucarne de lumière, pour nous happer et nous emporter vers des promesses d’espoir et de  liberté sans limites…

Avec une dizaine de musiciens fluctuants à son actif, Angil & the hiddentracks, mené par le stéphanois Mickaël Mottet, (compositeur, parolier et chanteur) est un projet toujours en perpétuel mouvement qui a déjà sorti 3 album et 2 EP depuis 2002.

Pas la peine de vouloir noyer le poisson ou de vous la faire à l’envers. Je suis passée, comme si de rien n’était, à côté de Now, sorti au printemps dernier. Que pouvais-je me fourrer dans les oreilles au mois à ce moment là ? Mystère et de la boule de gomme sûrement… Et quand j’ai découvert l’ampleur des compositions, je me suis bien demandée quel angle j’allais pouvoir adopter, alors que tout, ou quasiment, avait été déjà été (très bien) écrit, sur Internet tout du moins…

C’est donc à une fête foraine déglinguée que je vous embarque pour aborder Now, un album recelant une palette infinie d’influences et d’émotions …

Allez, pas de temps mort, on commence direct par l’excitation du début, avec un grand 8 à émotions fortes : Opening Scene ouvre les festivités. Avec ses allures distinguées de pop anglaise classe qui décoiffe, elle vous met la tête à l’envers grâce à son petit côté barré et ses violons magnifiques décalés.

On poursuit avec To progress, transporté dans un train fantôme qui déraille en permanence… Rempli de spectres post rock déjanté, de recoins sombres, de cris et de distorsions. De dissonances qui jamais n’agressent nos oreilles, mais plutôt les étonnent et les fascinent. Cuivres, cordes, batterie se croisent, se bousculent et s’entrechoquent pour nous procurer une superbe collision entre Pavement, Charles Mingus et un soupçon de Deus dont on ne ressort pas indemne…

On finit la fête par la grande roue, avec son vertige si attirant et la beauté de la vue, où la sublissime chanson Trish, dédiée à la défunte chanteuse de Broadcast, nous emporte littéralement dans son harmonie et son dépouillement. Et où la voix seule, de Mickaël Mottet, toujours inspirée, suffit dans une compositions épurée, accompagné d’une contrebasse.

Au final,  Now procure un sentiment d’ambivalence à chaque écoute, car le groupe empile des influences différentes comme des briques mais parvient toujours à assembler un édifice discordant/cohérent pour réaliser l’un des grands albums de 2012. Comment peut-on arriver à donner vie à des titres si différents mélangeant  free jazz, rock et musique classique? Ce lien invisible pourrait peut-être bien s’appeler du génie…

Des fois, on écoute certains disques dont on se dit qu’on devrait faire la chronique mais qu’on enterre en étant happé par un autre album. A l’approche de l’été, la musique foutraque, joyeuse et débraillée de Pond prend tout son son sens pour faire tourner Bird,Wives And Denims sur la platine.

Respectivement batteur et bassiste de Tame Impala, groupe de rock psyché australien, auteur du remarqué Innerspeaker en 2010, Jay Watson et Nick Allbrook profitent de cette récréation pour se faire plaisir avec un son toujours planant mais plus brut et direct. Un joyeux trip sous acide 60′s-70′s entre blues-rock à la Led Zep, riffs garage kinksiens, glam rock à la T-Rex, envolées psychotropes à la 13th Eleven Floor, expérimentations prog rock à la Pink Floyd et ballades hippies à la Jefferson Airplane. La part belle est faite aux grattes saturées, qu’elles soient fiévreuses ou hallucinogènes, portées par une batterie musclée.

Déstructuré et schizophrène, comme le dernier MGMT, ça part dans tous les sens mais toujours avec énergie, conviction et spontanéité. Les changements de tempo et de style à l’intérieur de chaque morceau sont vertigineux. On sent que l’album a été enregistré en 2 semaines, à l’envie, sans limites ni contraintes.

On oscille entre énergie brute, langueur californienne et échappées lunaires avec pour point d’orgue le cosmique Eye Pattern Blindness,ses orgues homériques et sa montée de guitares héroiques et atmosphériques pour un décollage express vers l’espace et les étoiles. Le résultat est une réussite et ravira les nostalgiques de Woodstock comme moi…

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Pour changer, je ne vais pas vous dire que St.Augustine est un coup de coeur. Définitivement, non. Parce qu’il s’agit plutôt d’un coup de foudre. Soldiers n’est peut-être pas un album immédiat, mais après plusieurs écoutes, quand vous faîtes le tour, plusieurs personnes semblent souffrir du même symptôme : il s’insinue jour après jour, titre après titre, pour finalement, ne plus vous lâcher…

Une impression confirmée en live, lors d’une soirée un peu spéciale… Un blog amène de curieuses surprises, on se retrouve parfois invités au milieu d’un concert sans même savoir à quoi ressemble la personne qui vous y a convié. Surtout quand, en prime, la dite personne a eu la bonne idée de mettre Jean-Pierre Léaud sur son profil Facebook.

Un concert où on vous donne RV à 21h30 et qui commence à 22h30. Un concert qui a lieu au Carmen, un hôtel particulier où Bizet a vécu, classé monument historique du 19 ème. Et aussi, accessoirement, une ancienne maison close, dont l’endroit a gardé, en clin d’oeil, ses petits salons et un décor baroque rococo comprenant une cage géante dorée à l’entrée.

Un concert avec un éclairagiste mais sans éclairage et un concert sans scène. Bref, quand vous en êtes là, vous foncez direct au bar sans vous poser de question.

Et puis, tout d’un coup, en une fraction de seconde, la magie opère, et des micro événements s’enchainent parfaitement pour cristalliser toutes vos attentes en un moment précieux : le serveur vous fait gentiment un Mojito parce qu’il a retrouvé de la menthe, et le lit Empire, où personne n’ose aller d’ailleurs, niché dans une alcôve, se révèle, finalement, terriblement accueillant. St.Augustine ou plutôt le clermontois François-Régis Croisier, seul maître à bord du navire, commence à jouer et les conversations feutrées s’étiolent.

Trop peu de chansons défilent, autant de bijoux pop folk ou rock, toujours sombres et inspirés ou subtils et ciselés. François-Régis créé une mosaïque musicale, pour mettre en scène son propre univers, entre la rock Black Feathers aux allures de Deus et de Grandaddy, l’invitation au voyage de Promised dans des plaines de Neil Young, l’émouvante Ten Arms aux effluves d’Elliott Smith.

Dans cet endroit particulier, ses prestations, toujours portées par une voix sincère et habitée, parviennent à occuper tout l’espace. Et dans la pénombre, avec ce grand miroir et ses moulures blanches, un paon empaillé posé dessus, des étoiles dans les yeux, on se laisse emporter par la bouleversante et lyrique My Father, My Son…

Vous voilà prévenus : Soldiers se révèle être un grand album folk de 2012. Profondément mélancolique et addictif, tout en retenue ou émotion, mais avec un supplément d’âme capable de faire toute la différence.

PS : Au fait, en premier concert, j’ai découvert Garciaphone et ses belles compos pop folk, qui mérite d’ailleurs bien plus que quelques lignes… et il figure d’ailleurs sur ma liste des 10 priorités ultimes en retard.

Et aussi comme je n’ai pas croisé Jean-Pierre Léaud dans cette soirée magique, je remercie quand même Thomas Rousseau pour l’invitation.

Tout l’album en écoute :

Difficile d’apercevoir l’été entre les gouttes et les variations de température. Une solution: Onduler sur la pop funky et groovy de Citizens! Prototype du groupe branché, Les 5 londoniens sortent leur premier opus Here We Are chez Kitsune. Une musique bien calibrée faite pour bouger le bassin, les hanches et les chevilles avec la petite touche d’excentricité amenée par la voix haut perchée de Tom Burke. Ca sonne un peu mainstream (tiens tiens  y a Alex Kapranos derrière la table de mixage!), mais impossible de ne pas remuer et de résister au coté euphorisant et orgiaque de  morceaux comme True Romance et son clip façon Bollywood ou Reptile, tube de l’été en puissance.

Bon, on va sur le dancefloor?

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Fan absolu de Radiohead , j’attendais avec impatience l’arrivée d’un nouveau groupe qui me procure des émotions aussi fortes et comparables depuis un bon moment déjà.La découverte d’Alt-J par le biais d’une poignée de titres lâchés sur la toile depuis quelques semaines a été pour moi une véritable révélation. Une sensation magique de lévitation dès la première écoute. Une musique mystique et habitée.

Le premier album du quator de Leeds, An Awesome Wave, confirmes toutes ces promesses. La recette: une démarche artistique presque expérimentale reposant sur un brassage tout azimuts des genres, de la pop à l’électro en passant par le folk, le hip hop, le dub ou le trip-hop , des compositions complexes et élaborées, une déstructuration des canons habituels de la pop.

Bref, une musique de bricoleurs de génie assez conceptuelle de jeunes intellos anglais issus des beaux arts, à l’instar de leurs comparses de Breton ou Django Django. Encore soulignée par le nom du groupe, le raccourci sur un clavier mac pour obtenir le symbole grec Delta évoquant le changement et la création. Mais avec une musicalité immédiate et instinctive, une harmonieuse beauté.

Les guitares, la basse, les claviers, la batterie et les machines se combinent avec une équilibre et une fluidité bluffante entre breaks chaloupés, montées atmosphériques et  envolées divines par la grâce d’arrangements riches et subtils. La voix charismatique et incantatoire de Joe Newman fait le reste et amène ce petit quelque chose en plus qui fait toute la différence: de la profondeur d’âme.

Cette richesses de sonorités et cette exploration en dehors des sentiers battus résonne dans les 13 titres de l’album. Difficile de ne pas entrer en transe sur mon titre préféré,  Something Good, magnifique poésie en 3 strophes et ses envolées vocales magistrales à la Radiohead, de s’imprégner des couches successives de vagues musicales vertigineuses de l’hypnotique Tesselate et de la chamanique Breezeblocks, ou de célébrer des rituels paiens sur la plus tribale Fritpleasure . Avant d’être emporté par la simple et lumineuse love song Matilda.

Au final, je peux déja annoncer que cet album figurera en 1ère place du classement des meilleurs disques de l’année de popsteel. Enfin bon, va peut-être falloir négocier avec Steph mais ça va pas être trop dur de la convaincre, je crois…

En bonus, 2 titres ne figurant pas sur l’album!

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On ne se rappelle pas toujours de ses rêves mais ils laissent toujours la trace d’émotions enfouies: bien-être, nostalgie et mélancolie.

La musique de Beach House produit le même effet. Attendus au tournant de l’ album de la confirmation après l’aérien Teen Dream qui les avait sacrés rois de la Dream pop en 2010, le duo de Baltimore reste fidèle à son style si particulier,une électro-pop onirique mâtinée de cold wave, un peu dans l’esprit Cocteau Twins ou Mazzy Star, pour ce nouvel opus , Bloom.

Le coeur du songe reste le même: la guitares aérienne et sinueuse d’Alex Scally, des claviers hypnotisants, des mélodies immaculées, des arrangements sophistiqués et le supplément d’âme apporté par la troublante et mystérieuse Victoria Legrand et sa voix habitée , oscillant entre feu et glace . Une réverbe cristalline , un son éthéré… Les contours se font toutefois plus mouvants avec des structures de chansons plus élaborées, délaissant le traditionnel couplet/refrain, et une atmosphère plus sombre et lyrique comme la puissante et profonde Myth.

On émerge en douceur, des étoiles plein les yeux, avec les variations de l’océan, entre mer d’huile, ressacs et  vagues scintillantes de pop songs romantiques comme The Hours. Sans pouvoir se lever et quitter cet album envoûtant…

Soyons clair dès le départ : autant d’émotions suscitées à l’écoute amènent chez moi une subjectivité pleinement assumée sur Gravenhurst…

Avec Western Land en 2007, le groupe avait obtenu son billet pour la cour des grands groupes indés. Cinq ans plus tard, ils sortent l’attendu The Ghost of Daylight. Le somptueux The Prize, premier single, annonce la couleur. Gravenhurst, mené par l’anglais Nick Talbot (auteur, chanteur, guitariste) et disciple de Nick Drake, se dirige dorénavant vers des compos plus élaborées.

Sans oublier ses racines folk pour autant, Nick Talbot impose deux directions à l’album : sur son premier chemin, des titres lunaires, pop electro cotoient alors des plages de rock envoûtantes composées de mellotrons, d’orgues et de synthétiseurs anciens, non sans rappeler des similitudes avec Radiohead. The Prize, Circadian et son envolée finale majestueuse, ou la sombre et troublante Fitzrovia en font partie. Et de l’autre côté, se placent de somptueuses ballades folk acoustiques, arrangées par le génie folk Richard Thompson, et saupoudrées d’une pincée du lyrisme mélancolique de Belle and Sebastian (Merci Johann). Le tout divinement interprété au chant comme à la guitare, de façon juste, émouvante et touchante.

Un drôle de voyage expérimental dont on ne ressort pas indemne, guidé par un maître de la subtilité émotionnelle, ayant le pouvoir magique d’apaiser ou d’émouvoir jusqu’à l’âme. 10 titres capables d’être touchés par la grâce, ça existe? Hé bien oui.

Introspectifs, narcissiques, bipolaires, contemplatifs ou juste déprimés… Vous allez plonger.

Electric Guest  a mis 5 ans a réaliser son album. Et cela s’entend… un peu trop parfois.

Asa Taccone et Matthew Compton, les deux californiens d’Electric Guest ont du faire un choix parmi les 200 chansons entassées dans leurs tiroirs… avec le consentement ou le refus du célèbre Danger Mouse/Brian Burton. On lui doit d’ailleurs la création du groupe, puisqu’au départ Asa ne pensait même pas à chanter. Poussé par Brian, il lui a fallu 3 ans avant de se décider à prendre des cours de chant pour interpréter ses titres…

D’où un album très différent, comportant des titres écrits il y a plusieurs années et d’autres quelques mois. This head hold et Waves en sont les parfaits exemples. Les tubes, dernièrement composés, ont dépassé le groupe qui n’a pas vraiment compris le choix des radios, et décrit leur style comme plus rêveur et plus sombre. Pourtant, de vraies bombes en puissance qui donnent envie de taper du pied, ou de se rouler par terre, voire d’allumer une clope au bureau sans se poser de question selon l’humeur du jour. Bon d’accord, des titres parfaitement bien calibrés en hits potentiels…

Mais, après écoute, on découvre aussi que l’essence d’Electric Guest réside ailleurs : la sexy et aérienne Amber, la cosmique soul pop The Bait ou encore la lumineuse Awake  reflètent plus précisément toute la complexité et la virtuosité du groupe.

Tout ça pour en venir à ma préférée (et leur préférée et aussi la sublime, c’est clair comme de l’eau de roche),  Badabam… Troubleman.

Un morceau capable de vous faire décoller 9 minutes, dans une grande ballade avec du soleil, du bien-être, du vent, des vagues, de la douceur et des cheveux dans la figure mais-qu’est-ce-qu’on-s’en-fout-parce-que-le-changement-il-parait-que-c’est-maintenant. Et aussi avec des rêves inassouvis, des voeux, des promesses, un ciel étoilé, des soupirs et du vague à l’âme. J’en connais peu. Merde. J’ai un gros gros coup de coeur.

Au final, l’album Mondo scintille, comme un diamant un peu trop travaillé, mais dont toutes les facettes funk, electro, soul, pop et rock se réfléchissent pour étinceler de 1000 feux. Irrésistiblement attirant… Impossible de ne pas s’en emparer.

En écoute, ha tiens comme c’est bizarre, Troubleman, ma préférée en premier, suivi de  This Head I Hold et American Daydream.

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Au petit jeu des références musicales obligées, Nick Drake est tout trouvé pour évoquer Will Stratton. Même jeu de guitare élégant tout en finesse et même goût pour des arpèges vertigineux.

Rajoutez-y le patronage de Sufjan Stevens et vous obtiendrez tous les ingrédients classiques d’une folk majestueuse: picking aérien, arrangements de cordes luxuriants, harmonies délicates, voix douce et ballades rêveuses.

La musique du new-yorkais est toutefois plus subtile. Son 4ème album, Post Empire, paru sur le label bordelais Talitres, conduit ce songwriter de formation classique vers des contrées moins balisées avec des mélodies instables et heurtées, des nappes de violons évanescentes et des montées progressives.

Le trouble s’insinue alors sous l’apparente sérénité pour un album entre ombre et lumière orné de textes poétiques. Une invitation évidente aux grands espaces et à la contemplation…

En écoute, la magnifique  When you let your hair down to your.

C’est le printemps et Niandra Lades l’illustre parfaitement… Enfin les giboulées plus exactement, la plupart de leur titres évoquerait le moment lumineux où le soleil revient…

Avec leur premier album éponyme, le groupe de Clermont Ferrand livre des petits bijoux de pop mélancolique et ombrageuse toujours portés par la voix sensible d’Alexandre. Sous leurs compos aériennes aux arrangements délicats et personnels, on devine les influences mélangées d’artistes folk comme Elliott Smith ou pop comme Sparklehorse ou les Beatles. Violoncelle, basse, contrebasse et guitare acoustique nous entrainent dans leurs ballades itinérantes, contemplatives et enjouées où les musiciens déploient un arc en ciel de sonorités et d’émotions différentes.

Idéal pour passer des moments de douces rêveries éthérées.

En écoute :  la subtile et charmante Strawberry Cake et Neige, "un titre classieux mais pas trop clinquant quand même", dixit Pierre-Olivier Prenassi (+ le joli titre = Merci).

Derrière ce nom  et cette pochette, si classes, se cache un couple parisen, Dakota et Manuel, qui avait déjà oeuvré sous le nom de Control. Avec Anita Drake, ils s’orientent vers du folk vénéneux avec un premier titre diablement efficace… qui leur a permis d’être sélectionnés pour le concours des Inrocks.

Fight across your mind dégage une étrange sensation d’envoûtement et de sensualité, entre glamour et rock, et la voix ensorcelante de Dakota n’est pas étrangère au sortilège. Une découverte à suivre, donc…

Bon j’aurais pu aussi juste mettre bombe-pole dance-sexy pour qualifier le clip et être sûre que vous likiez.

Rares sont les disques qu’on peut écouter en boucle, à fond sur la chaîne, du premier au dernier morceau dans une espèce de transe extatique. Sweet Heart Sweet Light, est de ceux-la. Un album lumineux, comme touché par la grâce des miraculés.

Figure marquante de la scène anglaise psychédélique, d’abord au sein de Spacemen3 dans les 80′s, puis comme chef de file de Spiritualized depuis les 90′s, Jason Pierce revient de loin, d’une vie d’excès rock n’ roll. Jusqu’à être déclaré deux fois cliniquement mort! Notre homme a tout expérimenté, came et bidouillages sonores à gogo, pour créer un son planant et introspectif visant à reproduire l’effet d’une montée sous acide.

Point de départ de la genèse de ce nouvel album, la tournée rejouant son chef d’oeuvre discographique de 1997, Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space, qui l’a poussé à se remettre en question musicalement et à se renouveler. Moins de bruitages électriques et d’effets sonores psychés(boucles, échos et pédales de distorsion triturées), place au songwriting et priorité aux mélodies. De la pop, quoi! Mais pas n’importe laquelle, version classe et majestueuse.Les arrangements superbes, avec un soin du détail quasi maniaque (1 an a été nécessaire pour le seul mixage de l’album), la production ample, précise et ambitieuse évoquent le mur du son de Phil Spector. Un ballet de guitares acoustiques, pianos électriques,violons, cuivres, choeurs  et harmonies vocales  en pagaille avec une électricité maîtrisée, une voix apaisante pleine de fêlures et des textes emprunts de spiritualité. Sans verser dans le mysticisme ni omettre de basculer vers l’étrangeté…

Le météorite Hey Jane et sa déconstruction en 3 actes (ballade rock classique/rythmique répétitive hypnotique/explosion finale) pour 9 minutes en apesanteur donne le ton d’entrée de jeu pour une pluie de classic pop songs. Du bijou soul/blues  stonien Little Girl au lunaire Too Late et son orchestration magnifique, en passant par le souffre velvetien de l’oppressant Headin’ for the Top Now, on assiste, béat, à la naissance d’une oeuvre déjà mythique….

Alt-J, ce sont 4 anglais de Leeds, repérés lors de lives à la BBC et qui, depuis, font partie des chouchous indies outre-Manche. Conceptuels et élaborés, leurs titres mélangent avec une étonnante fluidité les inspirations hip hop, electro, pop ou folk de chaque membre du groupe. Leur premier album An awasome Wave, un petit bijou d’originalité maitrisée, débarquera le 28 mai et ils seront en concert le 25 avril à la Pias Nite de La Flèche d’or. On vous en reparlera à la sortie car je vais essayer de ne pas me griller en une news un de mes groupes préférés de ce début d’année! Bref, pour résumer electro+pop+spleen = Alt-J.

En écoute le titre Breezeblocks

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Et aussi Matilda, magnifique pop song mélancolique.

Amateurs de blues rock fiévreux et du son brut et direct des 60′s-70′s, Alabama Shakes est fait pour vous!

Originaires d’Athens en Albama, petit bled paumé en plein sud, à quelques encablures des mythiques studios de rythm n’ blues FAME, le quator, formé sur les bancs du lycée autour de la charismatique Brittany Howard (guitare/chant), joue la carte de l’authenticité avec son premier album Boys and Girls.

Un disque intemporel, enregistré live, qui sonne comme la réédition d’un vinyle de 1966, souffle des amplis à lampe inclus, entre garage rock électrique à la Led Zeppelin et soul habitée à la Otis Redding. N’en déplaisent aux esprits chagrins, qui n’y verront qu’un album de reprises en pleine vague rétro, la voix puissante et rocailleuse de notre ex-factrice au look passe-partout, mix d’Aretha Franklin et de Janis Joplin, emporte la mise avec sa fougue juvénile et amène une furia presque punk à l’ensemble. (Tiens, tiens, ça ne vous rappellerait pas une certaine Beth Ditto?)

Pas convaincus? Le morceau Hold On, et son riff nerveux qui donne furieusement envie de danser, devrait mettre tout le monde d’accord…

Un bon aperçu de l’énergie survoltée que le groupe dégage sur scène pour un concert bouillant à ne pas manquer le 2 Mai à la Flèche d’Or!

A peine découvert et déjà blogs et journaux musicaux sont accusés de  vendre uniquement du folklore autour du parcours de Willis Earl Beal. Mais si son personnage, ses dessins et son destin sont un plus, ce sont plutôt ses compositions trouvées en ligne qui m’ont bouleversées à la base. Désolée…

Il vient d’Albuquerque, a un parcours hors du commun, une personnalité hors norme et un album ovni, bricolé avec les moyens du bord, c’est à dire rien. Une batterie fabriquée, des guitares marchandées aux Puces, une harpe pour enfants et un magnéto tout pourri. Le résultat est Acousmatic Sorcery. Un truc inégal, parfois expérimental, 11 titres choisis parmi des centaines de chansons, qui sent l’enregistrement enfermé dans un placard. Mais serti de diamants bruts reflétant les facettes de sa double personnalité oscillant en permanence entre ombre et lumière. Inclassable. Willis peut passer d’une chanson folk, pure et ensoleillée à sa rage criée sur fond de blues. Et comme il le précise lui-même :  "Je ne suis pas du genre à avoir un genre."

Willis, c’est l’histoire d’un garçon trop timide pour aborder les gens, qui préfère dessiner des flyers en laissant dessus son n° de téléphone pour proposer de venir chanter ou  faire un dessin. Et qui se fait repérer par une maison de disques après la parution d’un article dans Found Magazine.

A 27 ans, Willis Earl Beal avec son visage comme sculpté dans du bois a déjà vécu plusieurs vies : coursier au coeur brisé, enquêteur médical largué, livreur cafardeux, gardien de nuit fauché,  gardien de nuit poète, amoureux solitaire toujours livré à sa détresse, ses dérives ou ses espoirs, son magnéto… Et c’est exactement tous ses différents moments de sa vie que l’on retrouve sur son album, entre spleen, colère et amour fusionnel. Son âme.

Pas la peine non plus de lui demander de confirmer un talent quelconque, pour l’instant, il se sentirait plutôt dans la peau d’un usurpateur et croit en sa condition de loser éternel : "Je n’ai pas appris à jouer de la musique, je n’ai pas appris à écrire des chansons : je me suis contenté d’être un gars triste et foireux".

Des gens comme Willis, c’est rassurant et ça fait un bien fou. Pour résumer, on peut employer le mot artiste sans avoir l’impression de dire un gros mot.

Son disque, sorti chez Beggars, représente un bel objet illustré par ses dessins, le plus souvent en noir et blanc et dans un esprit naïf et sexe. Pour tous ceux, comme moi, qui l’ont loupé en concert en mars dernier, il sera en rattrapage à la Boule Noire le 30 mai prochain, pour 19 euros.

En écoute, bien sûr, 3 titres de l’album

En cette période de repli sur soi, il est plutôt réconfortant de constater que le groupe le plus parisien du moment (entendez branché !) est composé de trois étrangers exilés dans la capitale.Venus de pays et d’horizons musicaux différents, la Japonaise Narumi au clavier, le Suédois Léo Hellden à la guitare et l’Anglais Maik au chant se sont rencontrés à Paris au gré de leurs pérégrinations respectives sur scène et en studio.

Comme son nom l’indique, Tristesse contemporaine verse dans l’esthétique glacée et chic avec des productions électro minimalistes et épurées, a mi-chemin entre la cold wave de Joy Division et le trip-hop de Tricky.

Porté par le parrainage bienveillant du monde de la mode (le morceau I didn’t love you était la bande-son du dernier défilé Chanel), le trio vient de sortir un un premier album éponyme remarqué sur le prestigieux label indé Dirty Pschent. Leurs compositions dépouillées, un chant murmuré sur des lignes de basse hypnotiques et des nappes de synthés planantes créent un univers mélancolique, parfait reflet de notre époque désenchantée…

Bien mystérieux les Apes & Horses…

Introduits par Wu Lyf qui les ont choisis pour leurs dates françaises, ces 4 parisiens n’en sont qu’à leurs débuts et annoncent un album, The field, pour cette année. Et, à part ça… Il va être difficile de vous en parler beaucoup plus, il existe très peu de choses sur eux.

Au Bataclan, ils m’ont offert une première partie comme mes oreilles en entendent rarement. Tour à tour planantes, puissantes ou prenantes, leurs compositions pop rock nous plongent dans un désordre onirique orchestré par la voix du chanteur, passant du velours au brut d’une façon plutôt déconcertante. Bref, un groupe à découvrir pour un tout petit moment encore…

En écoute, leur single Miracle, avec en fond Les 400 coups de François Truffaut.

Et le moment avec Antoine sur la plage + le titre=magie. Si si.

Lescop est né de la rencontre de Mathieu Lescop, ex chanteur d’Asyl, avec le musicien anglais Johnny Hostile et Gael Etienne, graphiste musicien. Ce chanteur français a signé avec le label Pop Noire et ce nom lui va étrangement bien. Il émane de ses compositions tortueuses et syncopées, comme son titre phare"La forêt", un côté sombre et ombrageux. Etienne Daho, Jacno et Taxi Girl ne sont pas vraiment loin, juste tapis dans l’ombre… En tout cas, plus qu’une découverte, avec son EP salué par les critiques, Lescop en est déjà au stade de la révélation. Selon l’artiste, la définition de sa musique s’approcherait de la variété bipolaire, amenée dans un chaos contrôlé tout en parlant de ses obsessions… Le tout avec un clip electropop magnétique à visionner en boucle… C’est confirmé, j’adore les névrosés!

Les 5 membres du collectif anglais Breton expérimentent un son futuriste, résolument urbain et moderne via leur repaire de l’East End Londonien, le Lab. Une ancienne banque désaffectée squattée par le groupe emmené par Roman Rappak. Lieu dédié à la création artistique multimédia : vidéo avec des films avant-gardistes et des petits bijoux de clips homemade, graphisme et musique.

Leur premier album, Other People’s Problems transpire ce bouillonnement créatif avec des morceaux aux personnalités multiples. Véritable collision sonore entre électronica, abstract hip hop, dubstep et rock pour un big bang pop en toute liberté. Les nappes de cordes s’entrechoquent avec des orgues dissonants, des beats musclés, des rythmiques épileptiques  et des samples hachurés sur fond de sirènes et d’alarmes. Leur musique schizophrène, hybride ovniesque de Massive attack et des Foals, distille une ambiance sombre, lyrique et excitante. Quand tous les ingrédients se mettent en place, comme sur mon titre préféré Edward the Confessor, le résultat est prometteur. A suivre avec attention…